鑽石舞台

討論和反思設計與設計實踐是構成設計兩個不可分割的部分

Revue Faire由法國平面設計工作室syndicat旗下的Empire出版社出版。Revue Faire並不是一本單純介紹設計案例或介紹某位設計師的純平面設計雜誌，而是一本設計評論期刊。

對於這本雜誌的介紹，syndicat工作室的兩位主理人弗朗索瓦‧哈夫格爾（François Havegeer）和薩沙·萊奧波德 (Sacha Léopold) 曾在採訪中說過：Revue Faire是關於「doing」的雜誌。doing是，通過設計寫作來討論和理解，什麼是「doing」，以及為什麼「doing」。在主創人看來，討論和反思設計與設計實踐是構成設計的兩個不可分割的部分，具有同等迫切的被關注地位。亦即不提倡任何不帶反思精神的設計實踐及其產物。

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Revue Faire以雙語的形式（法文&英文）每兩周出版一次，從2017年創刊到目前為止，每期以A4，20p的形式出版，已經出版了3季，共39期。Léopold和Havegeer常常提前幾個月就需要開始計劃選題，邀請作者參與製作，往期的參與者不乏設計師、歷史學家、老師、策展人、新聞工作者等，為拓展平面設計的學科交互視野提供了重要的參考。

作為Revue Faire讀者的修養

「About Revue Faire 平行交錯 ——對於Revure Faire的回應」展覽於9月24號在Transtage轉場空間正式開啟，持續到2022年11月20號。除了在展覽現場展出的Revue Faire n°1–n°38期內容以及Revue Faire編輯部兩位創辦人、兩位作家：設計評論家蒂埃里·尚科涅（Thierry Chancogne）與平面設計師奧利維爾·勒布倫（Olivier Lebrun）的採訪視頻，本次展覽還特別邀約了6位設計師、藝術工作者通過不同的雜誌閱讀角度創作出不同主題的展覽出版物集結成冊，作為對Revue Faire的「回應」。

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集合156位平面設計師，製作832頁內容。你不能小看這本極具字體設計參考價值的「大部頭」

設計工作室 Actual Source 是由美國設計師Davis Ngarupe和JP Haynie共同參與的合作項目。2015年，Davis Ngarupe發起了工作室的第一個自出版項目「Shoplifters」。

Shoplifters以雜誌的形式出版內容，旦它的定位並非是一本「工具書」，每一期會策劃相應的主題對設計師進行邀約創作，在展示海量的字體設計作品之餘，還會圍繞主題對創作者的創作內容進行採訪編輯和整理。此後整體的編排形式又從第8期開始做了新的調整，逐步從設計小冊子的形式逐漸發展成極具設計參考價值的超過600頁的大部頭。

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2022年，籌備了2年的Shoplifters第10期回歸。本期新刊中，Actual Source重新聚焦字體設計，以2019年至2022年為本期的時間線，邀請了156位平面設計師參與字體設計，製作了832頁的內容。

接下來的日本設計，就是田中良治的時代

在20世紀即將結束的1990年代後半，日本知名平面設計師永原康史成為岐阜縣立情報科學藝術學院的教授，在這裡遇見了1998年春天入學的田中良治，當時就對田中良治的才華留下深刻印象，他認為接下來的日本設計，就是田中良治的時代。

本期收錄的田中良治特集中，為大家介紹田中良治所設計的優秀作品，並請到知名網頁設計師萩原俊矢來訪問田中良治，透過2人的訪談來讓大家可以更了解田中良治的想法以及一路走來的創作軌跡。另外，與音樂家涉谷慶一郎與攝影師新津保建秀合作過許多作品的田中良治也一起回顧了到現在為止的工作。

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直探字體排印學與當今平面設計間關係

在20世紀50至70年代之間，字體排印學於戰後未受戰火侵襲的瑞士，在其社會、經濟與科技框架下發展出了獨一無二的脈絡。這種字體排印學的特色包括：不對稱卻協調的整體結構、根據數理性的網格系統編排元素、相片和文字的編排着重清楚的視覺傳達、無襯線字型、靠左對齊（右側參差）的排版，以及注重客觀理性的視覺傳達。這種字體排印風格被稱為「瑞士字體排印風格」（Swiss Typography Style），亦稱「國際主義字體排印風格」（International Typography Style），此風格深深影響了全球平面設計的發展至今，而本書作者艾米爾・魯德（1914-1970）即是此風潮的重要推動者。

艾米爾．魯德對當代平面設計影響巨大，而本書是直探字體排印學與當今平面設計間關係的重要著作。《本質》收錄了四篇魯德論字體排印設計本質的文章，從平面、線、字、節奏四大主題，信手援引繪畫、雕塑、文學、攝影、建築、哲學、戲劇、自然科學等各領域名作及思想概念，搭配實際的文字排版設計範例，不限單一領域、時空與地域，恣意探討字體排印學的構成準則及其與文化、自然科學、政治、社會之間的關聯。

在退全球化的今天，我們如何關注我們的附近？

2017年夏天，陳海舒和他的妻子搬到德國卡爾斯魯厄市北城區。他們所在的居民樓，與周圍約五十棟外觀幾乎相同的居民樓一樣，都屬於二戰後美國駐德軍隊在卡爾斯魯厄新建的軍營——Paul Revere軍營。如同其他在德美軍基地一樣，Paul Revere軍營設施完善，自成一體，儼然一個「小美利堅」城市。

在此駐紮的美軍對德國本地社會產生了多方面的影響，國際形勢的變化也左右着駐德美軍與德國本地人的關係。冷戰結束後，美軍撤離卡爾斯魯厄，並將這批軍營樓，連同其配套的設施——軍用機場、學校及其他基礎設施交給德國。隨後這一地區被改建為新的城區。軍營樓被擴建，加蓋，並配上陽台，成了居民樓；機場則被設為自然保護區。雖然美軍完全撤離了，但是其對德國社會長達五十年的影響並沒有隨之消散。

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作為新的居民，陳海舒與他的家庭通過居住行為體驗並實踐着居住空間和城市空間的功能轉變。正在進行的項目《德國陽台》中，陳海舒一邊記錄着這一地區的日常生活，一邊尋找當地報紙巴登州新聞（Badische Neueste Nachrichten，BNN）在歷史上對卡爾斯魯厄市駐徳美軍的相關報道，並將這兩者結合起來。在不同的歷史條件下不同群體、不同文化間的共處面臨着或相似、或不同的困難。通過這一形式，作品模糊了過去與現在、公共與私密的界限，展現了當下的日常生活如何在這一歷史遺留物中重新展開，並產生新的集體記憶。

輯錄來自亞太地區14個國家286位入選者作品，匯集一線中堅力量及新銳後浪

2022年，《第十八屆亞太設計年鑑》以「多元設計，延展平面邊界」為主題，與設計師共同探討價值觀多元、生活方式多元、需求多元的社會中的設計可能性。年鑑延續了往屆三大特色單元，生動地展現了亞太地區老牌、中堅、新銳的多元設計力量。全書收錄了286個設計單位的456件優秀作品。

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一本毫無保留的傳遞全方位設計經驗的實用問答

從設計師最關注的視角與話題出發，本書在廣煜的六百多個回復當中，精選出一百個問答，從品牌VI、字體、排版等設計基礎，到工作發展與客戶管理等職場修為，再到對設計教育、行業以及市場的理解，搭配精彩設計案例，讓文字結合廣煜的設計作品得以更全面和完整的呈現。

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高田唯的「靈感日記簿」曝光！（只有少量現貨了

這本書由471個被解構的藝術作品片段、日常生活中收集和記錄的環境或背景元素組成，如垃圾箱、樹皮、禁止吸煙的標誌，或來自日常生活的報紙剪裁，以及其他各種實驗項目，這些都成為了高田所創造的「軸」的物理表現。本書還收錄了平面設計師中垣信夫、原研哉和服部一成與高田的訪談對話。

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一套最多人問詢的書，全套三冊，可單獨購買

美國麻省理工學院主編的《設計問題》（Design Issues）雜誌是國際設計研究領域的權威期刊。該雜誌聚焦新問題，突出新觀念、新思想和新方法，反映學術界前沿理論和概念，堪稱西方設計研究領域的指南針和風向標。

《服務與社會》以服務與社會為專題，共收錄相關文章9篇。這些文章有的討論發展中世界背景下專業設計的作用和局限性，有的探討印度瓦拉納西的巴納拉斯玩具製造商的反思性實踐，這為自組織設計和系統的研究做出了貢獻。

設計是如何參與公共，影響和介入國家形象建設的？

現階段關於烏爾姆學派的研究主要集中在其對設計教育的討論中，觸及該學派設計行為與戰後德國國家形象關係的討論甚少。本書試圖突破時間與空間限制，以烏爾姆學派為中心，以國家形象這一獨特視角，梳理了自1945年至1972年間烏爾姆學派設計理論和設計實踐的發展過程。

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烏爾姆學派以改善戰後德國民主社會環境，推進面向戰後德國經濟建設的設計職業化發展為目標，將政治思想同教育相融合，形成了以科學為中心的設計理論和以「開發」「規劃」為主題的烏爾姆模式，參與了國家層面的眾多設計實踐，最為人所知的便是他們在博朗電器產品、漢莎企業形象以及1972年慕尼黑夏季奧運會形象設計等設計實踐，由此扮演了戰後德國國家形象承建者的重要角色。時至今天，我們仍然能由此思考，設計是如何參與公共，影響和介入國家形象建設的。

在不假思索引用模仿和獨立創作之間，我們如何培養我們的創造？

網格，作為平面設計中至關重要的輔助參考因素和設計的基準，對最終呈現的作品起着關鍵性作用。本書基於網格，藉助算法，闡明設計應遵循的一套深層的邏輯思維原則而非盲目行動，為設計師、建築師提供尋找分析形式所需的工具，指明了創造新形式、新字體、新logo乃至新圖形的方法技巧。

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群星閃耀，100餘年、77位平面設計大師的設計思考

本書述說了1915年至2017年，近百年來77位平面設計大師的生涯之路。他們追求不只是好看的設計，透過設計與當代社會互動，使平面設計不再只是美工設計，更是凝聚思潮的時代語言，他們用着詩人與商人的語言，讓平面設計成為一門成熟的專業，帶來更深度的價值與設計上的美感。

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5位國際學者，4位設計教育者，7個角度展開設計趨同的探討

我們的設計是不是在日漸趨同？這是一個十分容易引起觸動與討論的話題，因為這並不是一場簡單的「是」與「不是」的爭論，無論哪個角度都可以有非常翔實的論證。在這當中，牽涉到市場、歷史、經濟、社交媒體、教育等與平面設計息息相關的重要影響因素。通過這個話題的討論，可以將這些場景一一串連，與大家一起進行一個從宏觀到微觀、從過往到當下的跨越縱橫度的辨析。

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關於包豪斯色彩應用的基礎理論

《色彩藝術》是20世紀初包豪斯學院開設的經典藝術理論課程之一——關於色彩應用的基礎理論。作者是包豪斯學校早期充滿傳奇色彩的一位藝術理論教學者——瑞士美術理論家約翰斯·伊頓。

伊頓系統創造和發展了現代色彩教育的「初級課程」，他的色彩理論放在配色手法多樣的當下，可能並不新鮮。但正是這本近百年前的作品，融匯發展了色彩理論，從最為基礎的角度揭示了色彩搭配的重要性。

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藝術家和藝術愛好者對色彩的興趣往往出於美學需要，然而色彩媒介如何經由肉眼和大腦處理，到達受眾，形成更為廣泛的社會影響，才是作品產生生命力的重要原因。色彩物理學是怎樣的？色彩媒介如何與色彩效果互相發生作用？這些基礎理論我們為什麼還要重溫？正如書中導論所言「缺乏視覺準確性和感染力的象徵主義只會是一種貧乏的形式主義。」對色彩效果的感受不應該只停留在視覺層面，而應該思考其心理影響和象徵意義。色彩藝術也並不只是天馬行空的創作，它來自更為系統的知識認知，更為理性的觀察與訓練。

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